LES YEUX BLEUS DE LA POUPÉE CASSÉE

 

LES YEUX BLEUS DE LA POUPÉE CASSÉE

(Los Ojos Azules de la Muneca Rota)

Réalisateur : Carlos Aured

Année : 1974

Scénariste : Paul Naschy, Carlos Aured

Pays : Espagne

Genre : Thriller, Giallo

Interdiction : -16 ans

Avec : Paul Naschy, Diana Lorys, Eva Leon, Maria Perschy, Eduardo Calvo...

L'HISTOIRE : Récemment sorti de prison, Gilles est engagé comme homme à tout faire dans un domaine français tenu par trois sœurs. Claude cache sa main atrophiée sous une prothèse, tandis que Nicole est nymphomane, et Yvette en fauteuil roulant. Alors que Gilles est en proie à d’horribles cauchemars dans lesquels il étrangle des femmes, un mystérieux assassin s’en prend aux femmes blondes du canton. Elles sont énucléées et leurs yeux déposés dans un bol...

MON AVIS : L'Italie n'a pas l'apanage du giallo même s'il en est l'inventeur. Rapidement, l'Espagne s'est également intéressé à ce genre très en vogue dans les années 70, en voici un exemple avec Les Yeux Bleus de la Poupée Cassée. C'est un film réalisé par Carlos Aured, un nom bien connu chez les fans de cinéma fantastique espagnol. Il a été assistant réalisateur dès 1964 puis scénariste également et en tant que réalisateur, on lui doit en 1973 El Espanto surge de la Tumba et L'Empreinte de Dracula, en 1975 La Vengeance de la Momie, tous trois avec Paul Naschy, ainsi que quelques thrillers dont Les Yeux Bleus de la Poupée Cassée; puis il bifurquera dans la comédie polissonne voir le film érotique et pornographique, dont certain avec Lina Romay, avant de terminer sa carrière en 1985 avec le film d'horreur Atrapos en el Miedo. Il est décédé en février 2008, avec 14 films en tant que metteur en scène. Alors Carlos Aured n'est pas un grand metteur en scène, c'est sûr, mais il n'a jamais eu de gros budget non plus pour montrer ses aptitudes derrière une caméra. Reste que dans le registre du thriller et du fantastique, ses œuvres, sans être transcendantes, restent appréciables et font preuve de qualité. Et c'est justement le cas avec Les Yeux Bleus de la Poupée Cassée, dont Paul Naschy a participé au scénario. Un film qu'on pourrait qualifier d'hybride tant il joue sur deux ambiances, deux atmosphères assez distinctes. Durant les 42 premières minutes, on est clairement dans le thriller psychologique, avec le personnage de Gilles, joué par Naschy, qui se fait embaucher pour devenir l'homme à tout faire dans une maison où vivent trois sœurs. On a Claude, jouée par Diana Lorys, qui porte une prothèse à sa main suite à un accident et qui se rabaisse sans cesse, n'ayant plus confiance en elle et croyant ne provoquer que le dégoût chez les hommes. On a aussi Nicole, jouée par Eva Léon, rousse incendiaire totalement nymphomane, qui sait parfaitement utiliser et mettre en valeur son corps parfait. Et puis on a Ivette, jouée par Maria Perschy, qui est paralysé et qui se déplace en fauteuil roulant, et qui est devenue paranoïaque, croyant qu'on veut en attenter à sa vie. Elle suit le traitement du docteur Phillipe, le médecin de famille qui a fort affaire avec ses trois sœurs tellement différentes et souffrant toutes de névroses à un stade avancé. C'est donc avec ce trio que va devoir composer Paul Naschy, qui semble lui aussi avoir un petit problème psychologique, on le découvrira lors de séquences oniriques dans lesquelles il se voit en train d'étrangler une jolie blondinette. Bref, tous les personnages ont un truc qui cloche et l'ambiance devient un peu malaisante, Naschy étant attiré par Claude mais ne refusant pas les avances charnelles de Nicole, le tout sous le regard étrange d'Ivette, qui n'a pas confiance en sa nouvelle infirmière, la blonde Michelle jouée par Inès Morales, qui, elle aussi, semble cacher quelques secrets, passant son temps à recevoir des appels téléphoniques qui la rendent suspecte. Reste que le scénario se la joue un peu fainéant et qu'il ne se passe pas grand chose en réalité dans cette maison, dont seul l'aspect gentiment érotique prodigué par le charme d'Eva Léon nous permet de ne pas décrocher. Et puis, à 42 minutes, le film bifurque dans le giallo, avec l'apparition d'un tueur vêtu de noir, ganté et maniant le hachoir de boucher et autres armes blanches avec efficacité. Il s'en prend à de jeunes filles blondes aux yeux bleus, yeux qu'il énuclent pour les conserver dans un bocal. La police est sur les dents car le nombre de cadavres commencent à gonfler et l'inspecteur Pierre ne trouve pas de mobile ni de suspect, même si Paul Naschy est le premier sur sa liste, les meurtres ayant démarré peu de temps après son arrivée dans le village. Des meurtres qui font gicler le précieux liquide rouge sur notre écran, on a un hachoir qui s'enfonce dans une gorge, une gorge tranchée au couteau ou une victime frappée avec une griffe de jardinage entre autres. Comme dans tout bon giallo, on se demande qui est l'assassin, on essaye de deviner quelles sont les fausses pistes sur lesquelles on veut nous emmener et le film devient plus intéressant, plus dynamique, même s'il ne parvient pas vraiment à faire naître un quelconque suspense ou une quelconque tension. Carlos Aured n'est pas Dario Argento et ça se ressent même si le spectacle n'est pas déplaisant et que le réalisateur utilise à bon escient la mélodie de la chanson Frère Jacques en tant que comptine musicale modernisée lors des meurtres, un élément classique dans le giallo. Dommage que le reste de la partition musicale soit, pour ma part, hors contexte, puisque très guillerette, nous faisant penser qu'on est dans une comédie la plupart du temps. En tout cas, l'intrigue se suit avec intérêt et on aura droit à un double twist final qui plonge le film dans le macabre et relève son intérêt. A noter une scène de mise à mort d'un cochon, égorger à l'ancienne, qui rebutera à coup sûr les amis des animaux. A titre personnel, je n'ai pas trop compris l'intérêt d'avoir filmé cette séquence qui ne sert à rien dans le scénario. Bref. Avec une mise en scène un peu plate et un démarrage un peu longuet, Les Yeux Bleus de la Poupée Cassée s'en tire avec les honneurs grâce à son intrigant casting féminin qui lui permet d'être un peu plus qu'un simple giallo anecdotique. Un film honnête à défaut d'être renversant et que j'ai pris plaisir à découvrir.

* Disponible en combo DVD + BR chez ARTUS FILMS

BONUS :

- Présentation de Carlos Aured et du film par Emmanuel le Gagne et Alain Petit

- Diaporama d’affiches et de photos

- Film-annonce original

KILLDOZER

 

KILLDOZER

(Killdozer)

Réalisateur : Jerry London

Année : 1974

Scénariste : Herbert F. Solow

Pays : USA

Genre : Thriller, Fantastique

Interdiction : /

Avec : Clint Walker, Robert Urich, Carl Betz, Neville Brand, James Wainwright...

L'HISTOIRE : Sur une île du Pacifique, le contremaître Lloyd Kelly,avec son équipe constituée de cinq ouvriers, doit construire une piste d’atterrissage. Durant les travaux de déblaiement, une énorme pierre est mise à nu, dont la provenance reste un mystère. Kelly demande au conducteur McCarthy de la déloger avec son bulldozer D9 mais quand le véhicule touche la pierre, une étrange lumière bleue se met à irradier, provoquant de graves blessures au conducteur. Pire que tout, la lumière semble avoir pris possession du bulldozer, qui se met à avancer tout seul et à attaquer le reste de l'équipe...

MON AVIS : En 1971, un jeune Steven Spielberg avait surpris son monde avec son histoire de camion tueur, dont on se demandait s'il y avait bien un chauffeur à l'intérieur. Duel, téléfilm diffusé au cinéma grâce à ses nombreuses qualités, allait engendrer quelques rejetons dans sa lignée, élargissant par la même occasion le sous-genre des véhicules tueurs, ces derniers pouvant provoquer la mort soit en étant utilisés par leurs conducteurs en engins meurtriers, soit en étant pourvus d'une vie propre, possédés par un quelconque esprit maléfique. C'est l'option retenue par Jerry London en 1974, avec le plus que curieux Killdozer, petit téléfilm produit tout de même par la Universal et tombé aux oubliettes depuis, voire totalement ignoré dans notre beau pays, mais qui a acquis un statut de film culte aux USA au fil du temps, malgré des critiques assez négatives quant à ses qualités à l'époque de sa diffusion, et ce, notamment lorsqu'il fut l'objet d'une blague dans le dessin-animé trash Beavis and Butt-Head en 1993. A l'origine du projet, on trouve une courte nouvelle écrite par Theodore Sturgeon,  publiée en 1944 dans le magazine Astounding Science-Fiction. Le récit a été remanié par l'auteur lui-même, accompagné par Ed MacKillop puis scénarisé par Herbert F. Solow. A l'arrivée, on obtient un téléfilm totalement what the fuck?! de par son sujet, vu qu'on parle tout de même d'un bulldozer possédé qui avance tout seul et va se mettre à attaquer des humains ! Une possession extra-terrestre à l'évidence, puisque le point de départ de la possession est le choc entre le bulldozer et une météorite tombée du ciel et enfouie dans le sol. Alors oui, on ne va pas s'attarder sur l'aspect pas vraiment crédible de cette histoire, ni sur le fait qu'un bulldozer de cette taille n'avance en réalité pas très vite et qu'un humain peut très facilement le distancer sans risquer sa vie. On préfère s'amuser à regarder notre monstre métallique faire clignoter ses phares, avancer de façon menaçante, activer sa pelle hydraulique telle une mâchoire vivante face au casting, qui parvient à ne pas rigoler et à rester sérieux, ce qui ne sera peut être pas le cas du spectateur. Il est vrai qu'on ne ressent aucune tension, aucun suspense face aux exactions de notre bulldozer possédé qui avance à deux à l'heure et que le casting ne fait pas non plus de grand effort pour dynamiser le rythme ou créer des situations un peu tendues. Parmi ce dernier, on trouve, entre autres, Clint Walker, qui joue le contremaître, ex-alcoolique qui se voit offrir une dernière chance et qui doit impérativement réussir à terminer le chantier ; Carl Betz qui joue un employé pas très commode ; Neville Brand, acteur bien connu des fans pour avoir joué le gérant d'hôtel psychotique possédant un crocodile dans Le Crocodile de la Mort de Tobe Hooper en 1976. Killdozer ne s’embarrasse pas d'un grand casting puisqu'on aura en tout et pour tout 6 acteurs à l'écran, devenant à tour de rôle les proies du bulldozer vivant. On retiendra par contre quelques répliques bien trouvées pour l'époque, dont l'emblématique "on ne peut pas tuer une machine" ou ce dialogue incroyable "comment s'y prendre pour tuer une machine ?" / "Une machine ? Il est trop lourd pour être suspendu et trop gros pour être placé dans une chambre à gaz" ! Dingue, non ? Rien de bien palpitant sinon au programme, On a vraiment affaire à un téléfilm sans grand moyen mais qui tente tout de même de bien faire et traite son histoire avec grand sérieux, même si on sourira souvent devant le ridicule de certaines situations. En tout cas, Killdozer reste une oeuvre à découvrir, parce que ce n'est pas tous les jours que vous verrez un bulldozer géant avoir une vie propre !

 

PERSONNE N'A ENTENDU CRIER

 

PERSONNE N'A ENTENDU CRIER

(Nadie oyo Gritar)

Réalisateur : Eloy de la Iglesia

Année : 1973

Scénariste : Antonio Fos, Gabriel Moreno Burgos, Eloy de la Iglesia

Pays : Espagne

Genre : Thriller

Interdiction : -12 ans

Avec : Carmen Sevilla, Vincente Parra, María Asquerino, Tony Isbert...

L'HISTOIRE : Elisa est une escort-girl raffinée, qui gagne de l'argent en passant des weeks-ends avec des hommes fortunés. De retour chez elle, elle entend Miguel, son voisin, qui essaye de réparer la porte de l'ascenseur. En sortant sur le palier, elle découvre ce dernier qui fait disparaître un corps dans la cage de l'appareil. Terrorisée, Elisa s'enferme chez elle mais Miguel, armé d'un pistolet, l'oblige à le laisser entrer. L'homme avoue qu'il vient de tuer sa femme et va forcer Elisa à l'aider à se débarrasser du cadavre, faisant d'elle sa complice...

MON AVIS : Les amateurs de cinéma Bis connaissent principalement le réalisateur espagnol Eloy de la Iglesia pour son film Cannibal Man - La Semaine d'un Assassin, réalisé en 1972 et qui avait bénéficié d'un visuel accrocheur lors de sa sortie en VHS en France. L'année suivante, il met en scène ce Personne n'a entendu crier, qui joue dans la cour du giallo de machination si on peut dire, du thriller d'ambiance qui réserve rebondissements et twist final, et qui le fait avec une réelle maîtrise. Au casting, on trouve Carmen Sevilla, actrice qui a débuté en 1947 et qui joue Elisa, une jeune femme frivole qui va être entraînée malgré elle dans une sordide histoire de meurtre. L'assassin, c'est Vincente Parra, le sordide héros de Cannibal Man justement. Ici, il joue donc Miguel, un homme charmant, poli mais qui doit tout faire pour se débarrasser du corps de sa femme sans être vu, ce qui est plutôt raté puisque pris sur le fait par Elisa. Un petit jeu du chat et de la souris va s'engager entre ces deux personnages et l'ambiance va vite devenir assez tendue. Eloy de la Iglesia et ses deux scénaristes vont alors jouer avec les attentes du spectateur, créant des situations stressantes, notamment lors de la fuite en voiture de Miguel, assisté par Elisa qui n'a pas d'autres choix que de céder aux ordres du meurtrier. Avec le corps caché dans le coffre, le voyage ne va pas être de tout repos, surtout quand une patrouille de police stoppe le véhicule et le réquisitionne pour emmener des blessés à l'hôpital. L'agent des forces de l'ordre insiste pour placer l'imposante valise d'Elisa dans le coffre, afin de libérer les sièges arrières de la voiture. Une situation qui va faire perler de sueur le front de Miguel, qui va toutefois trouver une alliée inattendue en la personne d'Elisa. Les rapports entre la jeune femme et l'assassin vont devenir de plus en plus troubles au fur et à mesure de l'avancée du film, Elisa semblant victime du syndrome de Stockholm, des sentiments pour le ténébreux Miguel semblant naître en elle. Bien malin, le scénario va nous réserver de nouvelles surprises et retournements de situation, tout en intégrant un troisième personnage au sein du duo, celui de Tony. Personne n'a entendu crier est avant tout un film qui prend son temps, qui ne mise pas sur l'action mais sur une atmosphère suffocante, très Hitchcockienne, et qui possède une mise en scène et une photographie inspirées. Hitchcock nous vient en effet irrémédiablement à l'esprit quand on regarde l'excellent film d'Eloy de la Iglesia. Comment, par exemple, ne pas penser à Norman Bates se demandant si la voiture de sa victime va couler, lors de la séquence où Miguel se demande si le cadavre lesté de sa femme va bel et bien sombrer au fond du lac ? Il en va de même pour Carmen Sevilla, qui interprète une héroïne très giallesque, parfaite au niveau de son interprétation. On peut aussi y voir des influences des Diaboliques de Clouzot. Le film est bardé de sous-entendus, de faux semblants, d'images trompeuses nous menant vers de fausses pistes, afin de mieux nous asséner le twist final, surprenant et inattendu. Le film n'est pas très violent, ni sanglant, même si on a quelques légers plans sanguinolents à se mettre sous la dent. Mais c'est bel et bien l'intrigue qui nous tient en haleine et nous manipule avec virtuosité, et on adore se laisser happer par cette dernière, on adore se faire embarquer avec les personnages dans ce thriller conventionnel certes, mais qui réussi son coup haut la main et distille son ambiance avec élégance. Un film de machination dont je n'avais jamais entendu parler et que j'ai fortement apprécié pour ma part ! A noter l'ultime séquence, pleine d'humour et de cynisme, qui ne manquera pas de vous faire sourire devant votre écran...

* Disponible en combo DVD + BR chez ARTUS FILMS 

DOLLY

 

DOLLY

(Dolly)

Réalisateur : Rod Blackhurst

Année : 2025

Scénariste : Rod Blackhurst, Brandon Weavil

Pays : USA

Genre : Horreur, survival

Interdiction : -16 ans

Avec : Fabianne Therese, Seann William Scott, Russ Tiller, Kate Cobb, Max the Impaler...

L'HISTOIRE : Macy part en week-end dans la forêt avec Chase, son fiancé. Ce dernier souhaite la demander en mariage durant le séjour. Intrigué par une curieuse petite musique qui semble provenir des alentour, Chase s'éloigne de Macy pour découvrir d'où provient cette musique. Il croise alors la route d'une femme curieuse, à la force herculéenne, qui porte un masque de poupée en porcelaine sur le visage et qui l'agresse brutalement. Macy se fait kidnapper par cette curieuse créature, qui l'emmène dans sa maison perdue au milieu de la forêt. Rapidement, Macy comprend que cette femme monstrueuse veut faire d'elle... son enfant !

L'AVIS : En 2022, le réalisateur Rod Blackburst signe Babygirl, un court-métrage de quatre minutes, dans lequel une jeune femme prénommée Macy se fait enlever par des individus monstrueux qui veulent faire d'elle leur enfant. Un postulat qui est resté ancré dans l'inconscient du réalisateur, qui a donc décidé de le remanier sous forme de long-métrage avec Dolly, un film qu'on ne citera pas pour son originalité, puisqu'il bouffe à tous les râteliers du survival, de Massacre à la tronçonneuse à Détour Mortel, avec une ambiance poisseuse, des agressions brutales, un côté malsain provenant du  postulat même de l'histoire et surtout avec son curieux personnage principal, Dolly, femme-enfant corpulente à la force prodigieuse, qui, à la manière de Leatherface, semble avoir un retard mental certain, ne s'exprimant que par signe ou gargouillis sonore, s'énervant à la moindre contrariété et portant également un masque sur le visage, à savoir ici, un masque de poupée en porcelaine très réussi et assez perturbant. Dolly est interprété par Max the Impaler, quel nom, une star de catch, non binaire et transmasculin, qui concourrait jusqu'à il y a peu à la NWA. Une personnalité atypique, qui convient parfaitement pour le rôle de par sa puissance, qu'on ressent à travers l'écran, quand Dolly soulève d'une main un protagoniste ou envoie valser ses victimes à travers une pièce. Dolly, c'est un vrai Jason Voorhees en puissance, qui a fait de son environnement, sa maison et la forêt avoisinante, son terrain de jeu, qu'elle connaît par cœur, ce qui lui donne toujours une longueur d'avance sur ses victimes. A la manière du tueur de Vendredi 13, Dolly poursuit une victime, disparaît d'un coup pour réapparaître plusieurs mètres plus loin devant cette dernière, comme si elle s'était téléportée. L'intérêt principal de ce nouveau boogeyman est cette recherche incessante d'avoir un enfant à s'occuper. Venant elle-même de perdre sa mère, Dolly, passionnée par les poupées, qu'elle dissémine à travers toute la maison et dans les bois, ressent ce besoin d'être mère et veut transformer ses proies en enfant, leur donnant de la bouillie à manger, leur faisant porter des couches, les enfermant dans une chambre d'enfant avec un petit lit à barreau pour couchage. Le malaise ressentit par le spectateur lors de sa vision du film provient réellement de cette caractéristique du personnage et des situations cocasses mais peu enviables des victimes forcées à régresser à un stade infantile. On pense évidemment à la situation un peu similaire du héros de Calvaire de Fabrice de Welz, avec cette homme forcé de devenir une femme par un Jackie Berroyer bien taré. Dans Dolly, c'est donc la charmante Fabienne Therese qui va devoir tout faire pour survivre aux agissements de Dolly et tenter de rester en vie. Cette actrice, on a pu la voir dans John dies at the end en 2012, dans Starry Eyes en 2014 ou dans 666 Road en 2015 entre autres. Elle assure très bien dans le film de Rob Blackburst et se révèle la parfaite antagoniste de Dolly dans le sens où, elle, ne veut pas devenir mère. Et ce n'est pas ce qu'elle subir dans le film qui va lui en donner l'envie, ça c'est sûr. On le voit, Dolly se veut un hommage à des classiques du survival 70, et il le fait de manière plutôt efficace, à défaut d'être original donc. Le film a été tourné en 16 mm, pour réussir à obtenir le grain des anciens films et ça fonctionne bien, on se retrouve de suite dans l'ambiance crasseuse de Massacre à la Tronçonneuse ou La Colline a des yeux. Niveau effets spéciaux, idem, tout est fait à l'ancienne, pas de CGI ici et c'est une très bonne chose. Dolly ne lésine pas sur la violence graphique, les coups sont puissants et font mal, comme cette pelle brisant la jambe ou la mâchoire du pauvre Seann William Scott, oui, oui, le fameux Stifler d'American Pie, qu'on ne s'attendait pas à retrouver dans un film d'horreur. Des effets gore assez crédibles, qui se montrent parfois un peu grotesques, comme cette fameuse mâchoire déjà évoquée et qui pend sur le visage du jeune fiancé qui a vu sa demande de mariage être repoussée à plus tard suite à sa rencontre avec Dolly. Mais cet aspect grotesque semble voulu par le réalisateur, qui s'autorise tous les excès et situations cocasses à même de malmener le spectateur. Un réalisateur qui place un autre protagoniste au sein de l'histoire, qui semble lui aussi retenu prisonnier par Dolly et qui permettra d'étoffer un peu le background de cette dernière. Dolly ne révolutionne donc rien dans le paysage cinématographique horrifique, on reste dans le déjà-vu mais le but de Rod Blackburst étant de rendre un vibrant hommage aux survival qu'il vénèrent, de ce point de vu, c'est assez réussi à défaut d'être surprenant ou novateur. La violence frontale est bel et bien au rendez-vous, les effets à l'ancienne assurent un spectacle souvent barbare qui ravira les amateurs et le personnage de Dolly est des plus intrigants, ce qui ne gâche rien. 

LE CRI DES TENEBRES

LE CRI DES TENEBRES

(Funeral Home / Cries in the Night)

Réalisateur : William Fruet

Année : 1980

Scénariste : Ida Nelson

Pays : Canada

Genre : Epouvante

Interdiction : -12 ans

Avec : Kay Hawtrey, Lesleh Donaldson, Barry Morse, Stephen E. Miller...

L'HISTOIRE : La jeune Heather vient rejoindre sa grand-mère Maude Chalmers afin de l'aider à gérer sa maison, ancien salon funéraire qu'elle a transformé en maison d'hôtes suite à la disparition de son époux. Heather est courtisée par Rick Yates, un garçon du coin. Le travail ne manque pas car pas mal de touristes viennent occuper les chambres en location. Reste qu'Heather s'inquiète pour sa grand-mère, qu'elle entend discuter avec quelqu'un dans la cave. Quand certains locataires viennent à disparaître, le malaise s'intensifie...

MON AVIS : Le réalisateur canadien William Fruet est bien connu des amateurs de cinéma Bis puisqu'il a mis en scène des titres tels Week-end Sauvage en 1976, Trapped : le village de la mort en 1982, Spasms avec Oliver Reed en 1983, Macabre Party en 1986 ou Insect! en 1987. Il s'est ensuite recyclé dans le monde de la série-télévisée. En 1980, on le retrouve donc aux commandes de ce Funeral Home, devenu chez nous Le Cri des Ténèbres. Un film qu n'a pas obtenu un grand succès public et critique à l'époque de sa sortie, l'ombre d'un maître du suspense étant trop présent pour passer inaperçu. Cette ombre, c'est celle de Sir Alfred Hitchcock lui-même, carrément. Une ombre revendiquée par William Fruet, qui ne s'en est jamais caché. Mais de quoi parle-t-on au juste ? En fait, Le Cri des Ténèbres reprend en grande partie tout ce qui faisait le sel et l'originalité d'un classique absolu d'Hitchcock, que je ne nommerai pas ici pour garder la surprise pour ceux qui n'auraient ni vu le film de Fruet, ni vu le film d'Hitchcock. Pour les autres, il est évident que le twist final de Funeral Home sera éventé dès le départ et que le pot-aux-roses sera identifiable en moins de cinq minutes. On peut également détecter une sorte de modernisation horrifique du conte Le Petit Chaperon Rouge, puisque l'histoire nous parle d'une jeune fille se rendant chez sa grand-mère et qu'un méchant loup semble rôder alentour. Des influences qui ne retirent pas au film le fait d'être soigné dans son approche, à défaut d'être original. Clairement, Le Cri des Ténèbres est avant tout un film d'atmosphère, d'ambiance, qui prend son temps pour créer un petit climat étrange et gentiment angoissant. Pas de rythme percutant, pas de scènes d'action, ni même de réelle violence, le bodycount est relativement peu élevé et les quelques morts sont très peu graphique en terme de sang versé à l'écran. Comme déjà dit ci-dessus, Fruet s'intéresse plus à composer un climat oppressant qu'à jouer avec la surenchère sanglante. Pour ce faire, il utilise à bon escient ce qu'il a sous la main, à savoir la maison, ses extérieurs et son casting. La demeure de madame Chalmers n'est pas spécialement angoissante ou morbide, malgré son passé de funérarium. La vieille dame a redécoré l'intérieur et le sous-sol, qui servait de salle d'embaumement et de travail à son mari, n'est pas ouvert au public. Maude Chalmers est interprétée avec conviction par Kay Hawtrey, un nom qui m'était inconnu bien qu'elle ait une longue carrière dans le milieu télévisuelle. Il semble que la relation entre cette dernière et le réalisateur ait été assez conflictuelle, l'actrice ne supportant pas William Fruet, ce qui assombrissait les conditions de tournage, selon les dires de Lesleh Donaldson, qui joue Heather et qu'on reverra par la suite dans Happy Birthday to Me en 1981, dans Les Rats attaquent en 1982 ou dans Curtains en 1983. Toujours est-il que Kay Hawtrey livre une prestation soignée et s'en sort vraiment bien. Il en va de même pour Lesleh Donaldson, qui voit petit à petit sa vie être chamboulée par les réactions de sa grand-mère, qui se veulent des plus étranges et inquiétantes, surtout quand elle se met à chuchoter à quelqu'un dans la cave. Y'a-t-il vraiment une personne enfermée dans cet endroit lugubre, où sont encore stockés les produits d'embaumement ? On se demande bien sûr si le supposé mari parti flirter avec une autre femme a vraiment disparu sans laisser de trace. Madame Chalmers le retiendrait-elle contre son gré dans la cave ? Ou le retient-elle enfermé car il a perdu la tête ? Car il semble bien que le mystérieux tueur qui va s'amuser à occire les malheureux visiteurs soit un homme qui n'a pas toute sa tête. Et les flashbacks concernant James Chalmers ne donnent pas un aperçu agréable de ce dernier, nous le montrant colérique, agressif, même envers des enfants un peu trop curieux. Le mystère demeure donc entier et le restera pour les néophytes, jusqu'au final survolté dans lequel la folie homicide trouvera une belle illustration visuelle. Du déjà-vu, certes, mais amené de manière efficace. Bien sûr, on se demande aussi si le tueur ne serait pas Rick, le charmant petit ami d'Heather, trop gentil pour être honnête, ou l'homme à tout faire de la maison, un brin benêt et simplet qui aime se cacher dans les fourrés pour espionner les locataires. Le tout sous le regard d'un petit chat noir, que filme le réalisateur sous toutes ses coutures et qui donne au film un petit côté Edgar Allan Poe bien sûr. Pas de sang, pas de nudité dans Le Cri des Ténèbres mais une histoire correctement ficelée, qui emprunte à des œuvres bien connues, trop devrais-je dire, ce qui lui retire quand même son potentiel de surprises. Reste une mise en scène correcte de William Fruet, une ambiance travaillée et un bon casting, pour un résultat qui devrait satisfaire les amateurs des téléfilms de Dan Curtis entre autres, auxquels Le Cri des Ténèbres m'a fait penser.

* Disponible en combo DVD + BR chez RIMINI EDITIONS

Un carton avant le film nous avertit que malgré des efforts de restauration, des défauts persistent et peuvent perturber notre vision du film. Personnellement, hormis quelques légères changement de teintes lors d'une séquences, rien ne m'a choqué et cette édition est parfaite pour découvrir le film de William Fruet.

Livret de Marc Toullec en bonus et toujours un superbe digipack trois volet aux couleurs de la collection Angoisse.  

      

LA FORCE

 

LA FORCE

(The Power)

Réalisateur : Stephen Carpenter, Jeffrey Obrow

Année : 1984

Scénariste : Stephen Carpenter, Jeffrey Obrow

Pays : USA

Genre : Horreur

Interdiction : -12 ans

Avec : Suzy Stokey, Warren Lincoln, Lisa Erickson, Chad Cowgill, Ben Gilbert...

L'HISTOIRE : Le jeune Tommy se retrouve en possession d'une petite idole aztèque représentant la divinité Destacatyl,, qui possède le pouvoir de libérer le côté obscur des individus qui convoitent sa force. Après avoir été témoin d'une manifestation surnaturelle dans sa chambre, il se rend avec ses amis Julie et Matt auprès de Sandy, une journaliste, qui ne peut leur venir en aide. L'ex-petit ami de Sandy, Jerry, se passionne pour cette histoire et entre en possession de l'idole. Rapidement, son comportement commence à devenir de plus en plus agressif...

MON AVIS : La Force a été réalisé par un duo, à savoir Stephen Carpenter et Jeffrey Obrow. Les deux hommes ont coopérer à trois reprises dans les années 80. En 1982, on leur doit La Maison de sang, en 84 La Force et en 1987 The Kindred, qui est peut être leur fait de gloire le plus connu. Par la suite, leur chemin se sont séparés, Stephen Carpenter a réalisé Soul Survivors en 2001 quand Jeffrey Obrow a mis en scène 5 autres films dans les années 90 et 2000, dont Legend of the Mummy en 1998 entre autres. N'ayant jamais eu de gros budget, les deux hommes sont également scénaristes, producteurs, monteurs ou directeur photo. Avec La Force, ils nous livrent un film de possession et tentent de donner le meilleur d'eux-mêmes et ce, avec leur faible moyen financier. Un petit budget 80's donc, qui ne comporte aucun acteur ou actrice réellement connus au générique mais qui se dote toutefois d'un certain Christopher Young en tant que compositeur. Le futur créateur de la musique de La Revanche de Freddy, de Hellraiser 1 et 2, de La Mouche 2, de La Mutante, de Spiderman 3 ou de Sinister fait déjà preuve de talent ici et offre à La Force une partition de qualité qui le plonge dans une ambiance souvent angoissante. L'objet qui va posseder les personnages du film est donc une petite idole aztèque incarnant la divinité Destacatyl. Une idole qui va passer de main en main et qu'on découvre dans la scène introductive dans la malette d'un professeur d'université. Ce dernier l'utilise pour se venger d'un élève un peu trop perturbateur et le spectateur prend conscience que ce petit bout de bois n'est en rien anodin. Le professeur est abordé par un autre homme qui semble connaître le pouvoir de l'idole, s'ensuivra une première scène à effet spéciaux assez réussie, avec lévitation et empalement au programme. Une entrée en matière efficace, qui se poursuit agréablement avec ce second personnage qui se rend dans le désert, toujours à la quête de l'idole. Celle-ci est désormais aux mains d'un vieux prêtre qui nous explique son pouvoir, qui est de corrompre l'âme humaine et de faire surgir la noirceur de cette dernière chez ceux qui convoite sa puissance. Une puissance qui n'agit que sur les adultes, la jeunesse étant épargnée car ne cherchant pas la convoitise. On a donc à nouveau une petite démonstration de la force de la statuette corruptrice, et là, changement radical de décor, on se retrouve à l'université, dans une ambiance qui nous fait penser à celle d'un slasher 80's, même si La Force n'en est pas un, avec trois étudiants qui passent leur temps ensemble, dont Julie, qui est passionnée par le surnaturel. On découvre que Tommy, l'un de nos trois héros, est en possession de Destacatyl, cadeau offert par ses parents lors d'un voyage. On se doute que les ennuis vont commencer et ce sera le cas puisque la bande d'amis va se rendre dans un cimetière pour faire une partie de Ouija, ce qui entraînera la mort brutale du gardien des lieux, lors d'une séquence bien foutue où sa tête est écrasée par un bloc de béton. Tommy sera ensuite victime d'une manifestation de Destacatyl, voyant sa chambre être mise sans dessus dessous par la force, comme la chambre de Regan dans L'Exorciste, film auquel on ne peut s'empêcher de penser lors de cette séquence. A partir de là, La Force va perdre un peu de son début prometteur puisque le film va traîner un peu en longueur, avec l'apparition des personnages de Sandy et de Jerry. Sandy est journaliste, Jerry est son ex-petit ami qui aimerait bien relancer leur relation. Après avoir entendu les trois ados raconter l'histoire de la chambre de Tommy à Sandy, Jerry va s'intéresser de près à l'idode aztèque et va devenir le nouveau réceptacle de Destacatyl. Jerry c'est l'acteur Warren Lincoln et vous verrez, il a une sacrée coupe de cheveux. Petit à petit, il va subir la mauvaise influence de l'idole aztèque et devenir de plus en plus agressif et ténébreux. On comprend bien sûr qu'il est possédé par Destacatyl, qui l'oblige à agir de manière néfaste. Reste que cette partie n'est pas très nerveuse comme déjà dit et on s'y ennuie un peu. On a tout de même une scène dans laquelle, pour montrer sa puissance, la divinité aztèque l'oblige à s'entailler l'avant-bras devant Sandy. La possession ira jusqu'à la transformation physique de Jerry, et notamment de son visage, déformé avec des bladders façon Amityville 2 ou Les Entrailles de l'Enfer, le tout sous la direction de l'artiste Matthew Mungle. Un maquilleur qui a débuté sur des films à petit budget avant de décoller sur des titres prestigieux, récoltant même l'Oscar des meilleurs maquillages pour le Dracula de Coppola en 1992. Honnêtement, ses créations sur La Force sont de qualité et dynamisent les 20 dernières minutes du film, qui là, pour le coup, devient plus nerveux et intéressant, avec plus d'effets spéciaux, une bonne ambiance et des éclairages soignés qui rendent le spectacle agréable à défaut d'être renversant. 

* Disponible en BR chez L'ETAGE DU DESSOUS

WEEK-END DE TERREUR

 

WEEK-END DE TERREUR

(April Fool's Day)

Réalisateur : Fred Walton

Année : 1986

Scénariste : Danilo Bach

Pays : USA

Genre : Horreur

Interdiction : -12 ans

Avec : Deborah Foreman, Amy Steel, Griffin O'Neal, Clayton Rohner, Deborah Goodrich...

L'HISTOIRE : Muffy St. John invite ses amis à passer le week-end du 1er avril dans sa luxueuse maison, seule habitation présente sur une petite île. Le voyage en ferry voit l'un des employés avoir un grave accident suite à une mauvaise blague d'un des amis de Muffy. Après une première soirée festive, la bonne humeur tend à s'amoindrir quand des disparitions commencent à avoir lieu et que le cadavre d'un des garçons est aperçu à bord d'une barque. Les invités ne trouvent plus très drôle le séjour, tandis que Muffy semble sombrer dans une sorte de nonchalance assez troublante...

MON AVIS : En 1971, Mario Bava propose au public La Baie Sanglante, film qui pose les bases de ce que deviendra le sous-genre du slasher movie. Suivront Black Christmas en 1974, Massacre au Drive-In en 1976, Halloween en 1978 et bien sûr Vendredi 13 en 1980, qui fera exploser le genre, qui n'en finira plus d'inonder les écrans durant la première partie des 80's, avec plus ou moins de réussite. Le slasher est souvent décrié pour ses scénarios simplistes, ses personnages caricaturaux, son humour potache, son érotisme gentillet. Un genre qui ne vaudrait en fin de compte que pour ses meurtres, souvent inventifs et sanguinolents. Personnellement, j'aime me divertir devant un slasher bien nerveux et décomplexé. En 1986, on en est déjà au chant du cygne du genre, dont les nombreux représentants ont fini par épuiser le fructueux filon. La quasi majorité des studios se sont engouffrés dans la brèche ouverte par le classique de Sean S. Cunningham et il est donc difficile de se renouveler après 5/6 ans de domination du slasher. Le producteur Frank Mancuso Jr., un des boss de la Paramount, n'en peut plus de produire des Vendredi 13 à tire-larigot, même si le succès est toujours au rendez-vous, notamment en vidéo. Il décide tout de même d'en produire un nouveau, avec dans l'idée de se démarquer un peu et de se tourner plus vers le thriller. Le scénariste Danilo Bach lui propose alors l'idée d'envoyer un groupe d'amis dans un immense demeure faire une "murder-party", un jeu de rôle grandeur nature avec meurtres factices au programme. Une idée qui plait au producteur et au studio. Le scénariste s'inspire alors du film Les Copains d'abord mais aussi du roman Dix Petits Nègres d'Agatha Christie et du film de 1932 de James Whale, La Maison de la Mort, pour pondre son script qui doit mêler adolescents blagueurs, suspense, meurtres et retournements de situation. Pour mettre en scène le film, c'est Fred Walton qui est retenu. Le réalisateur a à son actif Terreur sur la Ligne (1979) qui avait impressionné le public avec sa stressante scène d'introduction, qui inspirera Wes Craven pour celle de Scream. Pourtant, ce dernier n'est pas du tout fan du genre horrifique et encore moins des slashers. Mais sa situation financière lui interdit de refuser la proposition de la Paramount. Et le scénario de Danilo Bach lui fait penser qu'il va pouvoir mettre en scène quelque chose de plus léger, de plus atypique, de plus humoristique. Surtout que l'action du film se déroule un... 1er avril ! Le jour phare des amateurs de blagues en tout genre. C'est d'ailleurs le titre original de Week-end de Terreur et c'est celui qui nous mettra ou aurait dû nous mettre la puce à l'oreille. Atypique, tout en jouant avec les codes du slasher et du old dark house, le film de Fred Walton l'est, assurément. Notamment avec son final, que je ne vous dévoilerai pas bien sûr, et qui risque de faire grincer quelques dents. Maintenant, est-ce que Week-end de Terreur est un bon slasher ? Bah, pas vraiment. Le côté humoristique est présent, trop présent, et il plombe une ambiance qui ne provoquera jamais la terreur promise dans le titre français. Il faut se coltiner trente à quarante bonnes minutes durant lesquelles on a des tas de blagues qui ne volent pas haut, à base de fermeture éclair non fermée, de coussins péteurs, de chaises au pieds rétractables, de robinets montés à l'envers, de poignées de porte escamotables et j'en passe. C'est amusant au début mais on aimerait bien que le rythme s'accélère un peu, que le sang vienne éclabousser notre écran et que les cadavres s'amoncellent. Alors oui, on aura des disparitions mais niveau violence et gore, c'est l'encéphalogramme (quasi) plat. Tout est filmé en hors-champ, vous pouvez regarder le film avec vos enfants, aucun problème à ce niveau, hormis la scène de l'oeil au début. Dommage car on a une séquence franchement cool, celle du puits, qui, pour le coup, développe une certaine tension et se montre réellement efficace. Le corps posé dans une barque et que deux tourereaux se faisant des calins voient à travers des lattes de bois est sympa aussi. Mais sinon, Week-end de Terreur est probablement l'un des slashers les moins violents qui existe. Idem pour la nudité, totalement absente ici. Bien sûr, qui dit tueur dit suspects potentiels et il y en a plusieurs évidemment qui pourraient remplir ce rôle : on a l'employé victime d'un accident sur le ferry qui pourrait avoir envie de se venger par exemple ; ou bien l'un des invités qui aurait une quelconque rancoeur contre l'un des autres invités ; on a aussi le comportement de l'hôtesse des lieux, jouée par Deborah Foreman, qui évolue au fil de la journée et on a l'impression qu'elle sombre dans une sorte de dépression, qui a peut-être un lien avec la mort de ses amis. Le mystère demeure. Niveau casting, on trouve pas mal d'inconnus mais aussi Tom Wilson, le fameux Biff de Retour vers les Futur, la sexy Deborah Goodrich qui joue la petite allumeuse du groupe et qu'on a vu dans Meurtre en VHS en 1988, et surtout la blondinette Amy Steel, la final girl de Vendredi 13 chapitre 2 - le Tueur du Vendredi en 1981. Elle a un rôle assez conséquent dans Week-end de Terreur et on a du plaisir à la revoir dans un slasher. Reste que le film de Fred Walton a de forte chance de ne pas trouver son public étant donné le cap qu'il emprunte, son manque de meurtres graphiques et son hallucinante conclusion. Cette comédie slasheresque ne fait, pour ma part, qu'enfoncer le genre, déjà appauvri, dans une décadence peu glorieuse et ne le tire pas vers le haut, ne parvenant pas à transcender ses codes, malgré une noble intention de se démarquer de ses prédecesseurs. Pour le renouveau, il faudra bien sûr attendre Scream en 1996.

* Disponible en combo DVD + BR + Livret 24 pages de Marc Toullec chez RIMINI EDITIONS